作为艺术爱好者，你认为哪位画家的自画像画的最好？画家为什么要画自画

本文目录

• 作为艺术爱好者，你认为哪位画家的自画像画的最好
• 画家为什么要画自画像
• 意大利女画家安古索拉的油画自画像，画风如何
• 绘画艺术史上，有哪些擅长画自画像的女画家呢
• 全世界自画像最多的画家是谁
• 画家都爱画“自画像”么
• “画”一幅80后中年男人的“自画像”如何

作为艺术爱好者，你认为哪位画家的自画像画的最好

为艺术爱好者，在看过所有自画像中，有两位大师的自画像，给我留下了很深的印象。

这两位大师分别是：伦勃朗，和梵高。

伦勃朗的自画像

伦勃朗是个酷爱画自画像的人，他一生共画了100多幅的自画像。

伦勃朗画自画像，就好像是记日记一样，他用自画像，来记录自己各个时期的精神状态。伦勃朗的自画像，没有一幅看起来是相似的，他总是在自画像中，进行不断的试验和尝试。

下面分别是他早、中、晚三个时期的自画像：

伦勃朗青年时期自画像

在观看伦勃朗的作品时，总是很容易就被他的作品所触动，人们可以直观的感受到，画中人物的情绪，和精神状态。

伦勃朗惯用暗色调的背景，再以一束照亮黑暗的光，来突出画面的主体人物。画面的深色背景中，他下笔时往往粗犷而快速，而到了而主体的人物身上时，伦勃朗则细致深入的刻画。

伦勃朗中年时期自画像

伦勃朗尤其擅长刻画人物的神情，特别是对于最能传达人物内心的眼睛，他极为精准捕地捉、传神地一抹，眼睛，往往成了画面中，最吸引人驻足观看的部分。

伦勃朗对于人物的刻画，并不止步于视觉上的表象，而是深入到画中人物的内心、精神，以及情绪的再现，从真正意义上，做到了形神兼备。

伦勃朗晚年时期自画像

这不仅体现了，伦勃朗在平日里对人细致入微的观察，同时也体现了，他在构思作品时的创新力，和深刻敏锐的洞察。

梵高的自画像

梵高的一生画了很多幅自画像，这里选取两幅极具代表性的，分享给大家：

《割耳朵后的自画像》 和《没有胡子的自画像》

《割耳朵后的自画像》

《没有胡子的自画像》

《割耳朵后的自画像》，是梵高割耳后一个月作的画，这幅自画像是冷绿的色调，画中的梵高有着忧郁的眼神、瘦削的脸颊，整幅画呈现出一种压抑不安的、视觉感染力。

《没有胡子的自画像》，据说是梵高生前最后的一幅画，这是梵高送给母亲的生日礼物。这幅自画像整体呈现蓝色调，看着上去感觉很温暖，画中的梵高脸颊红润、看着略微有点丰满，这是梵高在挂念着家人、和温暖的善意时所作的画。

梵高自画像

作于割耳朵后一个月的《割耳朵的自画像》，以及梵高生前最后一幅画《没有胡子的自画像》，这两幅自画像，画面色调不同、用笔方法不同，展现了不同时期梵高的不同精神面貌。

是梵高心理状态的最真实的写照，痛苦、忧虑、精神折磨，以及生活中微小的快乐和善意，梵高的自画像不是单纯的画作，他更是把自己的心声和感情，全部融入到了画里，自画像更是梵高内心深处的呐喊和渴望。

梵高自画像

就像梵高说的，“我梦想着绘画，我画着我的梦想”。画画就是他的全部，而自画像，就是梵高内心真情实感的吐露。

自画像的魅力，到底是什么？

为什么有那么多的画家，一生在持续不断的创作自画像？

这在照相机发明之前，画自画像充当照片功能时，还能理解。但在照相机发明出来后，自画像，依旧是许多画家，乐此不疲、不断描绘的主题。

我想这其中的，主要原因是，画家们通过自画像，记录的，不仅仅是自己身处不同时期的面貌和状态，更多的还在于，对自身的反思，深入挖掘内心世界的需求和探知吧。

画家为什么要画自画像

画家为何都要画自画像呢？

通常，自画像都不是为了卖。

在西洋绘画历史上，自画像是从文艺复兴时代才有明确的出现.

起初都是在故事性的绘画中，不着痕迹地也把自己画进去。罗马教廷梵蒂冈有名的《雅典学院》一隅，拉斐尔把自己画入就是一例，这就相当于画家的署名。

巴洛克时代以后，自画像渐多。其一是为训练作画，尤其是默默无闻的画家，不容易雇请模特，只好利用自己这个现成的模特了。

但是，也不能一概而论，对许多画家来说，那是最重要的自我表现手法。他们以自画像记录了人生的欣喜悲欢，以及他和灵魂内在的自我对话。感觉上，仿佛这些卓越的画家，在创作那些震撼人心的艺术巨作之后，需要安静地面对真实的自己。

凡高的自画像严肃悲怆，好像有股生命之火郁结胸中，挥霍不出。嘉舍医生是免费为凡高义诊的大好人，也经常鼓励他绘画。凡高也常为他画像。有一段时间，凡高甚至将自己的疯狂投身到嘉舍医生身上，认为是嘉舍医生疯了，因此那幅著名的《嘉舍医生》中，嘉舍医生的表情那是相当的郁闷，好像受苦受难了很久（这幅画也是凡高最后一张肖像画，就在同一年他开枪结束了自己的生命）

(凡高的《嘉舍医生》） 达芬奇的自画像

其他如罗特列克，夏加尔，达利，弗里达等画家，有时更是跳脱出他们内在的自己，让自己的想象力驰骋，把信仰，生活，梦想，全都写在自己的自画像上。

“我画我自己，因为我经常是孤独的，因为我是我最熟悉的主题。”——弗里达

自画像对画家来说，是生命的救赎，也是痛苦的出口，是艺术家无心透露的心灵独白。

意大利女画家安古索拉的油画自画像，画风如何

您好，我是凤炎忻是读书客，很高兴可以回答这个问题！

安古索拉（1532年 – 1625年），是文艺复兴时期的意大利女画家，具有极高的艺术地位。

文艺复兴时期，社会对于女性学习艺术依然怀有偏见，女性想要通过艺术创造获得成功、实现目标和理想，宛如天方夜谭！

即使很久以后允许妇女成为艺术学徒，解剖学和人体依然是禁区，安古索拉之所以能够接触艺术，并在艺术方面有所建树，出身贵族的父母对她帮助很大。

但是，安古索拉还是不能绘制大型的宗教画和历史画，这也使得她把所有的精力都放在了肖像画上。绘制了大量的家庭成员和自己的肖像，使她形成了一种新的绘画风格，相较于其他人在表现人物方便也显得更加轻松自然。

当时，意大利肖像画都比较刻板，人物僵硬，安古索拉创造了自然的人物绘画手法，画真实、自然的人，而非人们想要被画成的样子。

从上面那副画架前的自画像，我们就可以看出，尽管姿态高贵、表情淡然，但她大眼睛中透出的光彩、手中的画笔和精致的作品，都足以表现出这少女对自己才华的骄傲，以及对成功的渴望，无一不体现最真实、自然的自己。

在文艺复兴时期，不管是女艺术家还是女作家都面临一个问题：那就是创造的自我形象是“只像女人”，还是“不像女人”？面对这个问题，安古索拉果断选择了“不像女人”的绘制方法，这大大降低了社会舆论对她的谴责。

值得一说的是，在淡化自己女性特质时，安古索拉更是在“没有女人味”和“像男人”之间找到了一个很好的平衡。

作为颇具创新精神的肖像画家，安古索拉打破了当时社会对女性追求艺术的性别障碍，而且始终坚持创作、不断突破自我。这股不懈坚持、不断突破的艺术和精神力量，在同时代甚至后人中都很罕见，至今依然值得学习！

绘画艺术史上，有哪些擅长画自画像的女画家呢

你好亲，很开心回答你的问题

在西方美术史上，宗教神话，历史故事，社会现状，画家身边的人和经历，一直是油画作品常见的素材和灵感。

但是，不难发现，自画像，同样是画家们百画不厌的灵感素材

自画像，个人斗胆一说，不仅仅是画家绘画技法的展现，更重要的是一个画家自我，内心世界的真实写照。

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